冰島─丹麥藝術家奧拉弗．埃利亞松（Olafur Eliasson）在台灣的首次大型個展「你的好奇旅程」，由五座城市美術館共製，並與奧拉弗．埃利亞松工作室合作策畫，巡迴串聯新加坡、奧克蘭、台北、雅加達、馬尼拉等地。台北市立美術館的展出精選自藝術家近卅年創作的十七件作品，橫跨裝置、繪畫、雕塑與攝影等媒材。
展覽以「旅程」做為隱喻，將觀眾置於光線、空氣、色彩與空間不斷變化的動態場域，透過一系列與自然現象和感知經驗相關的裝置，連結個人體驗與環境條件的變動，也在行走路徑和視覺感受被改寫的過程中，指向人與世界互動的位置。策展架構一方面梳理藝術家對氣候變遷、多物種共存與全球運輸網絡等議題的持續關注，將運輸路徑、碳足跡與協作機制納入考量；另一方面亦透過動線與作品安排，突顯觀眾參與在作品生成及展覽現場中的作用。
奧拉弗．埃利亞松 單色房間 1997 於「奧拉弗．埃利亞松：你的好奇旅程」展場一景
（圖版提供：台北市立美術館）Courtesy of the Angsuvarnsiri Collection ©1997 Olafur Eliasson
「2024國際科技藝術大展：靈魂的棲所」以科技滲入日常的處境為出發點，由國立清華大學科技藝術研究所教授邱誌勇與國立臺灣美術館助理研究員賴駿杰共同策畫，在國美館集結日本、韓國、荷蘭、美國、哥斯大黎加、台灣等十二位／組藝術家及團體，以裝置、互動影像、生物科技等形式回應當代技術環境，聚焦人工智慧（AI）與新興技術如何改寫人類感知和生活經驗，並呈現台灣在此領域的創作量能與國際合作網絡。
展覽的理論架構參照凱文．凱利（Kevin Kelly）提出的「科技體」（Technium）概念，將科技視為與人類共同演化的系統，從人類心智、環境變遷與演算法治理之間的關係出發，據以形塑作品脈絡和展區安排，勾勒科技藝術在當代社會中的位置與相關議題，也標示未來持續發展的思考方向。
吳其育 有用植物 2024 多頻道錄像裝置，5.1聲道、7’00”
於「2024國際科技藝術大展：靈魂的棲所」展場一景（圖版提供：文化部）
國立臺灣美術館展出的「廖修平90大展」，由國立成功大學歷史系所名譽教授蕭瓊瑞策展，以「求藝歷程」、「創作過程」、「教學與推廣」三大主題展區梳理廖修平的創作足跡，透過版畫、油彩、雕塑等多種媒材與十三個創作系列，呈現他在創作生涯中如何將東方美學與現代藝術語言加以結合，並交織為獨特的視覺風格。
展覽將廖修平置於「傳統／現代」、「入世／出塵」與「俗世／聖境」等多重對照中加以觀察，藉由圖象符號、色彩與空間經營，整理其創作脈絡及精神指向，並於「教學與推廣」展區呈現他自國立台灣師範大學任教以來對版畫教育的影響，勾勒出其做為「台灣現代版畫推手」的多重身分。此展不僅是藝術家的個人回顧展，也連結戰後台灣美術發展與版畫史書寫的脈絡；2025年適逢廖修平九十大壽，使此展成為其創作歷程的一次階段性整理。
「廖修平90大展」展場一景（攝影：曾筱如）
德國藝術家托瑪斯． 德曼（Thomas Demand）的國際巡迴展「歷史的結舌」，由攝影展覽基金會、北京UCCA尤倫斯當代藝術中心與台北市立美術館共同製作，美國策展人道格拉斯．佛格（Douglas Fogle）策畫，於北美館匯集德曼自1990年代以來近七十件作品，系統性呈現這位長期以紙材模型與攝影交織創作的藝術家的實踐軌跡及媒材關係。
展覽從政治事件、災難現場到日常生活片段等題材出發，並聚焦影像與歷史事件、集體記憶之間的關係，指涉現實場景在被拍攝、重建與再現的過程中，如何經歷多重轉譯與再詮釋。北美館的展出透過作品與展場動線的安排，串聯德曼跨越雕塑、建築與影像的創作實驗，在展場中形成一條介於紀實與虛構之間的視覺路徑，也提供觀眾思考影像文化與歷史書寫方式的一個觀看位置。
「托瑪斯．德曼：歷史的結舌」展場一景（圖版提供：台北市立美術館）
臺南市美術館的「詠唱世─人工智慧給人類的一封挑戰信」由國立台南藝術大學動畫藝術與影像美學研究所副教授羅禾淋策畫，集結十三組跨足動畫、音樂、漫畫與視覺藝術等不同領域的創作者共同展出。展覽聚焦在人工智慧（AI）生成內容與大型語言模型技術成熟後，任何人皆可生成文字、圖象、聲音與影像的現象，從中檢視藝術專業、作者位置與創作勞動如何被重新理解，也回應AI全面滲入生活與文化生產系統的時代背景。
展覽以「AI協作」、「AI共存」、「AI融合」三個主題對應AI發展與人機關係的不同階段，作品不再僅著重於是否應該使用AI的價值判斷，而是透過具體的創作實驗，讓觀眾在感官體驗中察覺當AI進入創作鏈條時，藝術本質、創作者主體與創作貢獻的界線將以何種方式被調整與討論。
周代焌 踏在感知之上 2024-2025 壓克力畫布、單頻道投影 尺寸依場地而定
音像授權：兒路創作藝術工寮、東冬．侯溫、黃林育麟、余進展、蕭清明 於「詠唱世─人工智慧給人類的一封挑戰信」展場一景（圖版提供：臺南市美術館）
國立臺灣美術館的「履痕深烙：席德進早期的生命和藝術軌跡，1943-1966」聚焦席德進自國立杭州藝術專科學校（現中國美術學院）求學、戰後來台到赴美國與歐洲旅遊的關鍵階段，由策展人楊永源結合席德進的日記手稿與國美館典藏梳理重構，匯集早期油彩、水彩等百餘件作品及日記、藏書與生活物件，串聯嘉義、台北和旅外經驗，呈現他在東西方文化交錯、社會劇變中摸索的創作方向，也呼應國美館近年從典藏出發重訪戰後台灣藝術史的研究脈絡。
展覽透過「回望與反芻」、「建立繪畫的肌理和骨架」、「初嚐有望的藝術家生涯」、「席德進與抽象畫」、「席德進與普普藝術Ⅰ融合民間傳統文化」、「席德進與普普藝術Ⅱ建築意象」六個子題展開，梳理席德進的實驗歷程，同時透過日記中對孤獨、遷徙與創作壓力的書寫，讓觀眾看見畫家做為「寂寞的旅行者」的內心世界。
「履痕深烙：席德進早期的生命和藝術軌跡，1943-1966」展場一景（攝影：曾筱如）
「從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展」於國立故宮博物院北部院區第二展覽館整修後啟用之際，匯集紐約大都會美術館館藏八十一件作品，串聯從印象派到早期現代主義的關鍵圖象。展出作品精選自羅伯特．雷曼（Robert Lehman）家族捐贈收藏，這批被譽為美國最具影響力的私人收藏之一，過去長期陳列於雷曼側廳，極少以整體形式離開紐約。
展覽透過「身體姿態」、「肖像與人物」、「徜徉自然」、「從城市到鄉村」、「水岸風光」五大主題，呈現雷諾瓦、梵谷、塞尚、馬諦斯、高更、秀拉、畢沙羅等畫家對人物與景致的多重詮釋，並按年代鋪陳從鬆動筆觸走向結構與形式實驗的演變線索。瑪麗．卡莎特（Mary Cassatt）、貝絲．莫莉索（Berthe Morisot）和蘇珊．瓦拉東（Suzanne Valadon）等人的作品則突顯女性藝術家在現代西方藝術中的位置與視角，也使性別與觀看方式在藝術史敘事中獲得新的著墨。
皮埃爾─奧古斯特．考特（Pierre-Auguste Cot） 春日 1873 油彩畫布 213.4×127cm 紐約大都會美術館藏
於「從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展」展場一景（圖版提供：國立故宮博物院）
台北市立美術館舉辦的「2025台北雙年展─地平線上的低吟」由柏林漢堡車站美術館雙館長山姆．巴塔維爾（Sam Bardaouil）與提爾．法爾拉特（Till Fellrath）策畫，集結來自卅七個城市、七十二位藝術家約一百五十件作品，其中包含卅四件委託與限地創作。展覽以「思慕」做為情感軸線，指向難以企及卻仍被牽引的內在驅力，在國際議題與個人記憶之間以相對內斂的語調處理未來相關命題。
展覽結構取徑自三件未在展場現身、卻做為核心隱喻的文本物件：侯孝賢《戲夢人生》中的尪仔、陳映真〈我的弟弟康雄〉裡的日記，以及吳明益《單車失竊記》中的單車，分別指向延續、內在書寫與追尋，勾勒思慕的多種面向。策展亦將近卅件北美館典藏作品與新作交錯編排，形成跨世代的對話。展場以紡織隔幕取代實牆，營造可穿透的視線與流動動線，做為觀眾理解當代處境與未來想像的一種觀看路徑。
邱子晏 偽飛行場（局部） 2025 零式戰鬥機複製品搭配顯示器、影片、碉堡造形音聲座椅 15’00”，
飛機300×1200×900cm、座椅每件45×120×40cm 2025台北雙年展、國家文化藝術基金會委託製作
於「2025台北雙年展─地平線上的低吟」展場一景（攝影：曾筱如）
2025年適逢前輩畫家陳澄波誕辰一百卅週年，「走揣．咱的所在─陳澄波百三特展」由國立台灣博物館與財團法人陳澄波文化基金會共同策畫，精選陳澄波八幅描繪風景與屋外風光的作品，以及一幅鹽月桃甫的〈黑潮〉複製畫，於鐵道部園區與館內的自然史典藏、標本和科學儀器並置展出。展覽從「季風」、「北回歸線」、「黑潮」三種自然力切入，將畫布上的山川、聚落與海岸視為博物學式的田野紀錄，讓觀眾在藝術與自然史之間往返閱讀，也回應畫家以繪畫記錄島嶼地貌與生活景象的初衷。
策展團隊將展覽視作一則公共邀請，帶領觀者沿著畫家的視線重新辨認腳下這座島嶼：既是複雜氣候帶構成的生態縮影，也是承載產業與文化記憶的空間，一方面連結陳澄波的生命經歷與其所處時代的脈絡，另一方面藉由風景繪畫與自然史資料的並置，提供觀眾思考台灣環境、地理條件與「咱的所在」關係的閱讀角度。
「走揣．咱的所在─陳澄波百三特展」展場一景（圖版提供：文化部）
桃園市立美術館於橫山書法藝術館的「自由自在：臺灣當代女性書藝展」以台灣百年來女性書藝發展為主軸，由國立台灣大學藝術史研究所教授兼所長盧慧紋策畫，匯集五十九位藝術家的六十二件／組作品，從長期被忽略的女性身影切入書法歷史。展覽回望日治時期以降至當代的女書家系譜，從家學、師承到社群組織，爬梳她們在有限資源和公共舞台下如何累積能見度並形塑自我位置，也與橫山書法藝術館的定位互文，補充台灣書法史中相對稀少的性別視角。
策展架構分為「網絡與系譜」、「她的身體」、「跨界」、「日常經驗與當代書寫」四個主題，從人際脈絡與學習體系延伸到書寫行為中的身體感知、跨媒材實驗，以及以筆墨回應政治變遷、性別議題和日常情感的創作面向，並透過跨文化的對照與並置，拓展書法藝術在當代的性別維度，將書寫視為女性梳理自我經驗與時代敘事的一種方法。
「自由自在：臺灣當代女性書藝展」展場一景（攝影：曾筱如）
國立台北教育大學北師美術館於2024年年末推出跨年度特展「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』─W Collection & More 1951-2005」，在總策畫林曼麗的統籌下，以W Collection收藏家和倉誠治的收藏為基礎，回望草間彌生1951至2005年的創作歷程。展題呼應2022年於青森縣立美術館舉辦的展覽名稱「從W Collection看草間彌生的軌跡與奇跡」，同時也聚焦草間彌生與台灣的歷史連結，從早期的行為實驗和多媒材創作切入，梳理她在日本與美國之間往返的經驗及相關作品的發展脈絡。
展場依「草間的綻放」、「圓點．原點」、「草間的蟄伏」、「Love Forever」四個子題展出約七十件／組作品，涵蓋繪畫、拼貼、軟雕塑、大型裝置、行為展演錄像與服飾設計，從早期的日本畫訓練、紐約前衛現場的偶發行動，到返日後相對沉潛的階段，呈現其在反戰、性、身體與愛等議題上持續展開的創作實驗。
草間彌生 圓點的強迫妄想 1998 / 2024 塑膠氣球、複合媒材 尺寸依場地而定
於「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』─W Collection & More 1951-2005」戶外展區一景
（攝影：劉薳粲；圖版提供：北師美術館）
以法國作曲家德布西（Claude Debussy）的鋼琴獨奏曲〈快樂島〉為靈感，高雄市立美術館推出「快樂島─日常的史詩」，由該館展覽部主任曾芳玲策展，匯集奈良美智、塩田千春、宮島達男、金昌烈、李容德、金玄植等日本與韓國廿五位當代藝術家，透過繪畫、雕塑與裝置等媒材，從音樂召喚出的夢境、自由和渴望出發，回應在高度焦慮的現代生活中，人們如何為自己想像一座可暫時棲身的「快樂島」。
展出作品或以童幻視角與動漫、流行文化語彙處理成人世界的矛盾與脆弱，或藉由物質細節與時間痕跡，指向都市孤獨、記憶殘片與日常勞動等題材。觀眾在展覽動線的引導下，於緩慢行走與停駐之間察覺自身情緒的起伏，意識到快樂亦存在於現實壓力與細碎日常之中；在龐雜社會結構與資本壓力下，個體仍能為自己保留一塊尚能作夢的心靈島嶼，也讓高美館成為觀眾暫時迷航與自我對話的所在。
「快樂島─日常的史詩」展場一景（圖版提供：高雄市立美術館）