音像影響
音像藝術的台灣切片
接收、擴大和調變所有物體振動之頻率，我們明日將能夠聆聽鑽石與鮮花的呢喃──如同我們今日所傾聽的海與森林之歌。──馬里內諦（F. T. Marinetti）與馬斯納達（Pino Masnata），〈未來主義廣播宣言〉，1933
音像藝術在台灣的發展
「聲音」這個創作媒材，在台灣的創作者中，一直很少被當作主軸發展的脈絡，即使是利用具象的聲音素材，比起視覺構成，聲音還是一種絕對抽象的狀態，於是開始有創作者利用其他媒材，與聲音交互作用，例如音像藝術（Audio-Visual Art）。2005年，在台北市立美術館舉辦一檔與聲音相關、以「生活替換：聲波頻率」為主題的展覽「異響：國際聲音藝術展」，是首次以聲音做為主體的展覽發生在公立美術館的場域。因緣際會下，我在這檔展覽擔任布展助理人員，負責音像作品類別的作品架設。這是我初次接觸音像藝術這個創作媒材，也至此得知除了錄像作品之外，聲音與影像也可以相互成立、甚至由程式產生，而不單只是在台灣以身體行為或錄像出發的脈絡。
玩劇島小劇場「噪流零肆」現場一景（攝影：王淳俐）
後來歷經「失聲祭」、「超響」、「混種現場」，到去年在國立台灣美術館（以下簡稱「國美館」）的展覽「聯覺共振」、空總台灣當代文化實驗場（以下簡稱「C-LAB」）的系列工作坊「CREATORS A/V衝刺班」，我從一開始的觀者，到創作者，進而演變成策畫者；在創作方面，我也從個人創作、組團，甚至發行唱片、接觸市場。在這過程中，台灣的實驗音像創作也從每個月一次的「失聲祭」，到每年一次的「超響」，以及在「超響」停止舉辦之後所接續的「混種現場」，日益蓬勃發展，新舊創作者不斷投身其中，讓音像創作的基數不斷擴大。眼看這個類別的場景逐漸成形、即將演變成產業之際，卻又在近兩年開始萎縮，盛況不若往日。這當中的轉變，除了大環境與資源分配策略的變因，在創作者培育與獎勵的面向，也有所轉變。
LTG劉庭均於空總台灣當代文化實驗場「噪流實習vol.1」演出一景
（攝影：陳彥齊）
能夠同時駕馭兩種不同媒材的創作者原本就稀少，於是在音像創作這個範疇裡，逐漸產生分工合作的團體趨勢。以自身為例，我與姚仲涵組成的「HH」，由姚仲涵主司聲音，我負責架構視覺，並讓兩者相輔相成、互相影響。在「HH」創作與發表的過程中，我們依循過往的脈絡，從小場地到大舞台，歷經藝術場合與商業演出；接著發表專輯，試圖打入音樂市場，邁向產業，卻發現我們原本棲身的場景，正在慢慢凋零。
涅所開發NAXS corp〈XR-XATA躰－01〉於國立台灣美術館「聯覺共振」展場一景
（圖版提供：國立台灣美術館）
有鑑於「超響」與「混種現場」停辦之後，因缺乏中大型展演機會，使得後進音像創作者的增加數量也不如以往，產生斷層，我於是申請了國美館的「數位藝術策展案」，在數位藝術方舟（現已撤除）舉辦展覽「聯覺共振」，並開設「TouchDesigner音像藝術工作坊」；另外亦邀請參展藝術家於台中玩劇島小劇場參與「噪流零肆」演出，同時申請進駐C-LAB，與藝術家王連晟、王新仁一起在「A/V衝刺班─實驗聲音影像推廣計畫」規畫一系列關於音像創作的工作坊與講座，並於工作坊尾聲舉辦「噪流實習vol.1」，讓學員有成果發表的機會。
Kezzardrix（神田龍）＋Yaporigami（宮下悠）〈tilted〉於國立台灣美術館「聯覺共振」展場一景
（攝影：葉廷皓）
音像藝術的獨特性
聲音與影像的結合， 可以追朔自華格納（Richard Wagner）提出的「總體藝術」（Gesamtkunstwerk）概念，認為藝術的知覺行為會將所有感覺指向一個總體經驗。而在數位時代，隨著電腦軟硬體的進步，將聲音與影像這兩種時基藝術（Time Based Art）共時化已經是相當普遍的技術，但該怎麼同步、不同的素材需要什麼樣的規則好讓彼此產生關聯，甚至不同型態的資料之間如何轉換，則仰賴藝術家定義與操作這些媒材。（全文閱讀530期藝術家雜誌）
【七月專輯│聲音×影像藝術感知解讀】